En el jardín seco de Ryōan-ji, las piedras y la grava forman una composición en la que los espacios entre los elementos adquieren especial importancia. En un jardín de paseo, en cambio, el paisaje se descubre progresivamente, a medida que el visitante avanza. Son dos maneras diferentes de organizar el espacio, relacionadas con tradiciones culturales y decisiones de diseño que van más allá de la apariencia de un jardín.
Estas relaciones fueron abordadas en la conferencia “Jardines japoneses: tradición y práctica contemporánea”, organizada por la Facultad de Arquitectura de la Universidad ORT Uruguay, que se desarrolló el 29 de octubre en el Hemiciclo del Campus Pocitos.
El encuentro contó con la participación de la Dra. Arq. Tyana Santini, doctora en Ingeniería por Kyoto University (Japón), graduada de la carrera de Arquitectura de ORT y docente de la carrera de Técnico en Paisajismo; y la Mag. Sylvia Mitsuko Tanaka, magíster en Relaciones Internacionales por Waseda University (Japón), Licenciada en Letras por la Facultad de Humanidades y Ciencias de la Educación de la Universidad de la República (Uruguay), con una Especialización en Gestión Cultural y vasta experiencia como consultora en estética japonesa.
Santini presentó una introducción a la evolución y las principales tipologías de jardines japoneses, acompañada por ejemplos de paisajismo tradicional y contemporáneo. A continuación, Tanaka profundizó en las influencias religiosas, filosóficas y estéticas que permiten interpretar sus elementos, su simbolismo y sus principios de composición.
Cuatro formas de entender los jardines japoneses
Para introducir las características del paisajismo japonés, Santini distinguió cuatro grandes tipologías, con diferencias en su organización, sus usos y la experiencia espacial que proponen.
Los jardines con lago, vinculados históricamente con modelos procedentes de China, incorporan superficies de agua como componentes destacados de la composición. Entre los ejemplos presentados se encontraba el jardín de Byodo-in, en Uji, Kioto, cuya configuración permite reconocer la relación entre arquitectura, vegetación y paisaje acuático.
Una segunda tipología corresponde a los jardines vinculados con el budismo zen, entre los que se encuentran los jardines secos o karesansui. En ellos, la arena y la grava pueden representar el agua mediante superficies rastrilladas, mientras que las piedras y otros elementos naturales conforman composiciones destinadas a la contemplación
Uno de los casos utilizados fue Ryōan-ji, en Kioto, cuyo jardín presenta una disposición de piedras sobre una superficie de grava. Este ejemplo permitió introducir una cuestión que posteriormente desarrolló Tanaka: la importancia del espacio vacío y de las relaciones entre los elementos.
Los jardines de paseo, por su parte, están organizados para ser recorridos. Mientras que determinadas composiciones contemplativas pueden apreciarse desde un punto relativamente fijo, estos jardines ofrecen perspectivas sucesivas y permiten descubrir gradualmente nuevos sectores.
Santini utilizó como referencia el jardín del Palacio de Katsura, del siglo XVII, correspondiente al período Edo. También mencionó los jardines japoneses presentes en ciudades como Montevideo y Buenos Aires, entre ellos el ubicado junto al Museo Blanes, como ejemplos próximos al público uruguayo.
La expositora explicó que algunos jardines de paseo incorporan casas de té y espacios ajardinados asociados a ellas. Estos pequeños jardines, conocidos como roji, se vinculan con la experiencia y la estética de la ceremonia del té.
La cuarta tipología presentada fue la de los jardines urbanos o tsuboniwa. Se trata de pequeños espacios ajardinados vinculados con viviendas, que pueden incorporar recursos compositivos presentes en jardines de mayor tamaño, adaptados a superficies reducidas.
Esta clasificación mostró que el jardín japonés comprende configuraciones diversas, desde grandes paisajes con estanques hasta pequeños patios domésticos. La escala, el recorrido y la relación entre sus componentes modifican la experiencia del espacio.
Para profundizar en las diferencias entre el diseño de jardines y la disciplina paisajística, puede consultarse la entrevista “El diseño de paisajes y jardines, una conversación con la Arq. Paula Rial”.
El vacío y el equilibrio: la dimensión espiritual del diseño
Luego de la introducción histórica y paisajística, Sylvia Mitsuko Tanaka abordó las relaciones entre los jardines japoneses y distintas tradiciones filosóficas y religiosas.
La especialista explicó cómo el budismo, el sintoísmo y las influencias del pensamiento taoísta se relacionan con concepciones de la naturaleza, la espiritualidad y la existencia humana presentes en la cultura japonesa.
Desde esta perspectiva, presentó al jardín como un microcosmos, una representación a pequeña escala de elementos del mundo natural que puede favorecer la contemplación y la meditación. Uno de los conceptos centrales de su exposición fue el ma, noción japonesa relacionada con la pausa y el intervalo. Tanaka propuso comprenderlo a través de los silencios de la música y los espacios que separan los elementos de una composición.
En el jardín de Ryōan-ji, por ejemplo, la relación entre las piedras y el espacio que las rodea constituye parte fundamental de la experiencia visual. El vacío adquiere así un papel compositivo: permite establecer distancias, relaciones y momentos de contemplación.
La expositora también relacionó la influencia del budismo zen con la sencillez, la abstracción y la reducción de elementos decorativos. Según explicó, estas características pueden contribuir a generar ambientes que favorezcan la concentración y la atención al momento presente.
Otro de los temas desarrollados fue la noción taoísta del yin y el yang, presentada como una relación entre fuerzas complementarias.
Tanaka utilizó ejemplos paisajísticos para explicar esta interpretación: una cascada puede asociarse con movimiento y actividad, mientras que un estanque de agua quieta representa condiciones diferentes. De manera semejante, la disposición de una piedra vertical junto a otra horizontal permite establecer contrastes dentro de una misma composición.
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Estas asociaciones forman parte del marco filosófico expuesto durante la conferencia. Su interés para el diseño reside en observar cómo la posición, la orientación y las relaciones entre elementos transforman la percepción de un lugar.
La especialista también abordó el principio taoísta de actuar sin forzar, relacionado con la observación de los procesos naturales. Lo ejemplificó mediante el crecimiento de los árboles y el movimiento del agua, destacando la búsqueda de naturalidad incluso en composiciones cuidadosamente intervenidas.
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Piedras, agua y vegetación: el significado de los elementos
Una de las principales contribuciones de la conferencia fue mostrar que los elementos utilizados en los jardines japoneses pueden cumplir funciones compositivas y adquirir significados simbólicos. Tanaka explicó que las rocas pueden representar montañas o islas, mientras que los estanques y otras superficies acuáticas pueden evocar paisajes de mayor escala. En los jardines secos, la grava rastrillada permite sugerir la presencia de agua sin incorporarla físicamente.
La especialista vinculó estas representaciones con concepciones religiosas en las que determinados elementos de la naturaleza adquieren carácter sagrado. Al abordar el sintoísmo, presentó ejemplos de árboles y rocas señalados mediante cuerdas ceremoniales, así como portales que indican el acceso a espacios sagrados.
La presencia del agua también fue analizada desde su relación con las prácticas de purificación. Tanaka describió los recipientes y fuentes utilizados para lavarse las manos y la boca, así como la importancia simbólica de estos actos en determinados contextos religiosos. Entre los elementos presentes en la presentación se encontraban las linternas de piedra o tōrō y los recipientes de agua o tsukubai, componentes que también aparecen asociados a los jardines de té.
Los puentes constituyeron otro ejemplo. Tanaka explicó su significado como elementos de transición y los relacionó, desde una perspectiva cultural, con concepciones vinculadas con los antepasados y la trascendencia. Además de permitir el desplazamiento físico, su presencia puede marcar el paso entre sectores del jardín.
La elección de árboles y flores fue considerada igualmente relevante. Las expositoras señalaron que la vegetación participa de la composición mediante sus formas, sus asociaciones simbólicas y sus transformaciones estacionales.
Entre los ejemplos mencionados estuvo la flor de loto, vinculada en la exposición con principios del budismo, así como los cambios que experimentan las plantas a lo largo del año. Estos ejemplos permiten comprender por qué el diseño de un jardín puede depender tanto de los materiales empleados como de su disposición, sus asociaciones culturales y las transformaciones que experimentan con el tiempo.
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Diseñar el recorrido: microcosmos, paisaje prestado y asimetría
La relación entre percepción y diseño ocupó otro lugar importante en la exposición.
Tanaka retomó la idea del microcosmos para explicar cómo un jardín puede representar paisajes extensos mediante composiciones reducidas. Una piedra puede evocar una montaña; un estanque, una superficie de agua mucho mayor; y un conjunto de vegetación, diferentes características de un paisaje natural.
Este procedimiento también puede aplicarse a jardines domésticos de pequeñas dimensiones, donde los elementos se organizan para sugerir una realidad espacial más amplia. Otro principio desarrollado fue el de ocultar y revelar.
En los jardines de paseo, el visitante descubre distintas imágenes a medida que avanza. Los árboles, las piedras, los cambios de dirección y otros componentes de la composición intervienen en lo que puede observarse desde cada posición. Tanaka comparó esta experiencia con el despliegue progresivo de una pintura: el paisaje se descubre mediante una sucesión de perspectivas, en lugar de presentarse completamente desde el comienzo.
La exposición también introdujo el concepto de shakkei, o paisaje prestado. Este recurso consiste en incorporar visualmente elementos del entorno, como montañas, árboles o construcciones, para que formen parte de la composición percibida desde el jardín.
El jardín del Museo Adachi, atribuido en la presentación al paisajista Kinsaku Nakane, fue utilizado como ejemplo de esta relación entre el espacio diseñado y el paisaje circundante. Otro aspecto fue la asimetría, relacionada con la búsqueda de composiciones que combinen distintas orientaciones, alturas y formas.
En conjunto, estos principios ofrecen herramientas para analizar una decisión paisajística: qué se ve desde cada lugar, cómo cambia la percepción al desplazarse, qué elementos del entorno participan de la composición y qué relaciones se establecen entre las diferentes partes.
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La sombra, la ceremonia del té y la belleza de lo efímero
La conferencia también abordó la importancia de la luz, la sombra y el paso del tiempo en la estética japonesa. Para profundizar en estas cuestiones, Tanaka recomendó dos obras: El libro del té y El elogio de la sombra. A partir de estas lecturas, explicó cómo determinadas tradiciones estéticas valoran la luz tenue, las superficies opacas y las marcas que el tiempo deja sobre los materiales.
En este contexto, la sombra adquiere un papel relevante en la experiencia espacial. Las superficies que filtran la luz, las puertas corredizas y las variaciones de claridad pueden modificar la percepción del entorno y permitir que ciertos elementos se descubran gradualmente.
La ceremonia japonesa del té fue presentada como un ejemplo de la relación entre espacio, cuerpo y percepción. Tanaka describió la importancia de los movimientos, los tiempos de espera y las dimensiones de las casas de té. Entre los recursos mencionados se encontraba la pequeña entrada que exige inclinar el cuerpo para acceder al interior, gesto relacionado en la exposición con la humildad.
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La ceremonia también fue utilizada para explicar cómo acciones aparentemente sencillas pueden adquirir un significado particular mediante la atención a los detalles, la secuencia de movimientos y la presencia de quienes participan.
Estas reflexiones condujeron a uno de los conceptos con los que Tanaka cerró su intervención: mono no aware, relacionado con la sensibilidad ante el carácter transitorio de las cosas. Para explicarlo, recurrió a la floración de los cerezos japoneses, cuyo atractivo vinculó con la breve duración de las flores.
Según planteó, la belleza de determinados momentos también surge de reconocer que son pasajeros. En el jardín, esta percepción puede relacionarse con los cambios estacionales, la transformación de la vegetación y las variaciones de luz a lo largo del tiempo. El planteo permite incorporar otra dimensión al análisis paisajístico: la experiencia de un espacio cambia con el transcurso del tiempo, incluso cuando su estructura física permanece relativamente estable.
El paso de las estaciones, la evolución de las plantas y las condiciones de iluminación modifican aquello que el visitante puede observar y experimentar.
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De la tradición a las reinterpretaciones contemporáneas
La conferencia también mostró cómo distintos profesionales han reinterpretado recursos tradicionales del paisajismo japonés mediante nuevas composiciones, materiales y soluciones espaciales. Durante su introducción, Santini presentó la obra de Mirei Shigemori, destacando su intervención de 1939 en los jardines del templo Tofuku-ji, en Kioto.
Entre los ejemplos utilizados se encontraba el Jardín del Norte, cuya composición geométrica combina superficies de musgo y piedra dispuestas mediante un patrón cuadriculado inspirado en el ichimatsu, presente en la tradición visual japonesa.
El proyecto permitió mostrar cómo un jardín puede conservar referencias culturales reconocibles e incorporar una organización formal diferente a la de otros ejemplos históricos. Santini también presentó el Jardín Hundido del Chase Manhattan Bank, de Isamu Noguchi, fechado en la presentación entre 1961 y 1964.
La expositora destacó la reinterpretación del jardín seco y el uso del movimiento del agua como recurso para introducir variaciones perceptivas. El ejemplo amplió la discusión hacia las posibilidades de trabajar con materiales y configuraciones que mantienen vínculos conceptuales con la tradición japonesa.
Entre los referentes contemporáneos mencionados se encontraron Shunmyō Masuno, Kazuyuki Ishihara y Shin Abe, además de los trabajos de Shigemori y Noguchi. La presentación incluyó jardines de distintas escalas y contextos geográficos, como proyectos atribuidos a Masuno en Estados Unidos, China y Australia, junto con reinterpretaciones contemporáneas desarrolladas por otros estudios de diseño.
Entre ellos figuraban Casa S, en Nueva York, presentada con fecha de 2011, y Jimon Tei, en Sídney, identificado con el año 2023. Estos ejemplos ampliaron el panorama hacia intervenciones paisajísticas vinculadas con espacios residenciales y propuestas contemporáneas.
La selección permitió reconocer que los principios abordados durante la conferencia pueden aparecer en configuraciones formalmente diferentes: jardines extensos, espacios residenciales y pequeñas intervenciones paisajísticas.
A través de estos ejemplos, las expositoras relacionaron tradición y contemporaneidad mediante la atención a la escala, la materialidad, el equilibrio, el recorrido y los cambios naturales. La actividad ofreció una aproximación al jardín japonés como una composición en la que las decisiones espaciales se vinculan con concepciones culturales y formas de experimentar el paisaje.
Reviví la conferencia:
https://www.youtube.com/watch?v=7ptkT8TUouc
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